Antinori Art Project ha commissionato a Stefano Arienti un nuovo progetto nato per essere in dialogo con un capolavoro della storia dell’arte rinascimentale: la lunetta raffigurante La resurrezione di Cristo realizzata agli inizi del XVI secolo da Giovanni Della Robbia (Firenze, 1469 – 1529/1530), su commissione di Nicolò di Tommaso Antinori.

La “lunetta Antinori”, così nota agli storici dell’arte, oggi proprietà del Museo di Brooklyn, è tornata a essere presentata al pubblico, dopo 500 anni, al Museo Nazionale del Bargello a Firenze, dal 9 novembre 2017 all’8 aprile 2018 a seguito di un importante restauro sostenuto negli Stati Uniti dalla famiglia Antinori.

Il progetto di Stefano Arienti si articola in due opere distinte ma complementari che trasformano e si riappropriano in maniera diversa della famosa lunetta.

Al Bargello, in una sala attigua a quella della lunetta, era installata l’opera dal titolo “Scena Fissa” creando quindi un dialogo diretto tra arte rinascimentale e contemporanea, nella mostra “Da Brooklyn al Bargello: Giovanni della Robbia, la lunetta Antinori e Stefano Arienti”.

In contemporanea, presso l’avveniristica cantina Antinori nel Chianti Classico è stata esposta una nuova installazione site-specific di Arienti, “Altorilievo”, entrando così a far parte della collezione di famiglia ed attualizzando e rendendo visibile il forte legame con la storia e la tradizione mecenatistica.

“Altorilievo”, nato per la Vinsataia della cantina Antinori nel Chianti Classico, si articola come la scomposizione di un alto-rilievo scultoreo, in cui le figure della lunetta, sempre monocrome, vengono riproposte nelle 46 campiture strutturali del capolavoro di della Robbia, in una rinnovata distribuzione spaziale delle figure, capace di trasformare l’impianto narrativo della lunetta e ponendo l’osservatore all’interno della scena e assegnandogli un ruolo attivo nella fruizione dell’opera.

L’opera, disegnata su teli antipolvere, assumerà una tridimensionalità quasi marmorea, che permetterà all’artista di ricreare uno spessore simile a quella dell’opera originale realizzata in terracotta invetriata, liberando i personaggi dalla posizione impostagli dalla storia e tessendo così una nuova trama.

L’allestimento spinge il pubblico ad una lettura più dinamica e personale del capolavoro restaurato, offrendo la possibilità di un percorso di ricerca in cui le immagini sono sottoposte a infinite variazioni, e dove lo spettatore è coinvolto in un processo mentale indipendente, critico e consapevole.

The opportunity for the Florence exhibition was provided by the purchase of a work by Nicolas Party titled “Giant Fruit”, which officially became part of the Antinori family’s permanent collection in the Chianti Classico winery (located at Bargino, near Florence). The work “Giant Fruit” is a site-specific project created in 2015 for the group show Still-life Remix, held in the evocative setting of the winery that was inaugurated three years before. The gigantic Still Life is a response to the winery’s innovative architecture, built using natural materials such as terra cotta, timber, corten steel and glass, expressing the family’s deeply-rooted links with the territory, and respecting the beauty of the location that has always provided the frame for the Antinori vines. The art piece transforms the sense of perception with an unexpected change of scale.

Before studying at the Academy of Fine Arts, Nicolas Party painted graffiti on train carriages and in degraded urban spaces. The large pyramid of giant fruit in symbolic colours made by the artist using spray-cans in the Antinori winery in the Chianti Classico district is a direct reflection of his experience as a street artist.

Nicolas Party started his artistic career in Lausanne, Switzerland as a street artist. He then studied at the Glasgow School of Art and since 2002 has been showing his work in various galleries and institutions including the Swiss Institute of New York and Paris and the SALTS Art Space in Basel. Nicolas Party’s works express the artist’s obsession with timeless shapes and subjects that he conjures from our collective imaginations, art history, comics and graphic design thanks to mediums ranging from charcoal to watercolors to spray paint. The artist uses paintings or site-specific installations to ironically disclose a series of rich and subtle system of quotations and references that create a familiar visual code yet distinctly personal and highly recognizable. As a successor of the artist Balthus, Party creates a surreal and dreamlike world where giant fantastically colored fruit wraps around the architecture of the winery.

Giorgio Andreotta Calò crea azioni e sculture che operano a livello fisico immediato suscitando reazioni sensoriali nello spettatore, ma che ad un secondo sguardo offrono una dimensione narrativa capace di catturare il passare del tempo nella staticità della materia. La sua ricerca si articola attraverso un sofisticato rapporto tra naturale ed artificiale, tra entropia, lavorazione artigianale e ricerca teorica, in cui tecniche tradizionali come il bronzo si trasformano in pratiche contemporanee capaci di mettere in discussione l’idea stessa di monumento. Clessidra nasce da un tronco corroso dalle maree nella laguna veneziana in cui l’acqua viene evocata dall’aspetto simmetrico dell’opera che sembra rispecchiare se stessa. Come spesso nel suo lavoro le opere si generano da un gesto, quello di catturare in bronzo l’ultimo momento del processo di corrosione, quello che precede la frattura tra le due parti del tronco. In questo modo il titolo clessidra evocando il passare del tempo non si relaziona soltanto alla forma scultorea ma alla sua natura, trasformando in concettuale la dimensione formale dell’azione scultorea.

Rosa Barba è una delle più affermate artiste italiane dell’ultima generazione. Il suo lavoro attraversa il cinema, il suono e la scrittura e indaga il linguaggio e l’immaginario del reale che le permettono di creare nuovi percorsi, osservare e commentare la storia dal suo interno.

Il lavoro dell’artista prende in considerazione il cinema, in ogni suo aspetto, dalle caratteristiche fisiche della celluloide, fino alla luce, al proiettore, al suono, passando per le strutture della narrativa, con i suoi personaggi spesso improbabili, i luoghi, le storie. Rosa Barba si avvicina al film in modo scultoreo, spesso considerando separatamente gli elementi cinematografici per creare nuovi oggetti espressivi oppure orientando la cinepresa verso oggetti e paesaggi, con una particolare attenzione alla forma.

Per il progetto architettonico della Cantina opera dello Studio Archea, Rosa Barba realizza un intervento monumentale in uno dei tre vertiginosi cortili, trasformandolo in una macchina ottica, dove il tempo esterno, quello delle colline del Chianti, entra attraverso un meccanismo allestito attorno alla fessura circolare nel tetto. La volta viene trasformata in una lente che filtra la luce del sole e permette all’esterno di depositare il passare del tempo, fissato attraverso delle scritte sul pavimento.

Il protagonista è il tempo che, grazie alla luce del sole, scrive la realtà al posto dell’uomo. Tramite un disegno preciso e ricercato, l’artista tenta di trasformare lo spazio architettonico in un orologio che misura se stesso e che pulsa di vita propria; un congegno quasi magico che produce vita, memoria e storia proprio come se fosse il fulcro di una temporalità fluida, che confonde passato, presente e futuro per mostrarsi come motore attivo. Una macchina dell’immaginario, un deposito della memoria dello spazio e del tempo, fonte di nuove narrazioni e nuove illusioni.